Różnica między operą a operetką

Opera i operetka jako gatunki muzycznej sztuki teatralnej mają wspólne historyczne korzenie. Zasada konstruowania akcji scenicznej, oparta na wykonaniu wokalnym i akompaniamencie muzycznym, była stosowana już w XVI wieku. Włoskie pastorały i tajemnice można uznać za prototyp współczesnej opery: to oni ustalili podstawowe prawa dramaturgii operowej, których aktywny rozwój na początku XVIII wieku doprowadził do pojawienia się dużych poważnych dzieł dramatu muzycznego i opery komicznej.

Komiczna opera lub maniak opery w drugiej połowie XIX wieku uzyskał cechy niezależnego gatunku znanego jako operetka. Charakteryzuje się lekką zawartością, połączeniem wykonania utworu, muzyki instrumentalnej i tańca, a także wykorzystaniem znaczących fragmentów zwykłej mowy w dialogach, monologach i wskazówkach.

Działanie operetki jest szybkie i rozwija się wokół komicznej lub pełnej przygód sytuacji. Bohaterowie bohaterów są mu podporządkowani, których zderzenie wzmacnia komiczny efekt tego, co dzieje się na scenie.

Operetka jest postrzegana przez widownię jako rozrywka, dlatego nie gra złożonych partii muzycznych i wokalnych: arie, duety, akompaniament chóralny najczęściej ma kolor gatunkowo-śpiewny, a każda akcja koniecznie kończy się tańcem. Opracowywana jest choreografia numerów tanecznych w operetce zarówno dla aktorów, jak i corps de ballet - grupy tancerzy tworzących tło sceny.

Klasyką gatunku operetki są dzieła I. Straussa, I. Kalmana, F. Lehara, J. Offenbacha, które przyniosły światową sławę najlepszym teatrom w Europie: Foley Nouveau i Buff-Parisienne. „Bat”, „Bayadera”, „Merry Widow”, „Gypsy Baron”, „Beautiful Elena” nie opuszczają sceny domowej, zachwycając widownię spektakularnymi scenami i piękną muzyką.

Opera powstały pod koniec XVIII wieku jako gatunek synkretyczny, łączący sztukę muzyczną, wokal, dramat, choreografię i aktorstwo. Podstawą akcji scenicznej w operze jest tragedia lub dramat na dużą skalę o historycznym, psychologicznym, socjokulturowym planie, dlatego postacie bohaterów w nim zawarte są obszernie i wyraziście przedstawione.

Ujawniają się w solowych numerach wokalnych: ariach, kwantach, balladach i dialogach scenicznych: duety, trio, kwartety. Ważną rolę w operze odgrywa akompaniament muzyczny, który dzięki symfonicznym środkom wyrazowym podkreśla napięcie konfliktu i pozwala nam rozwinąć ideę dzieła.

Recytacja służy temu samemu celowi - zorganizowanej rytmicznie, muzycznie intonowanej mowie w monologach lub dialogach bohaterów.

W porównaniu do operetki opera ma bardziej złożony skład. Z reguły składa się z trzech aktów z prologiem i epilogiem i obejmuje symfoniczne formy dramatu scenicznego: uwertury, przerywniki, muzykę baletową, pantomimę.

Części wokalne opery są również złożone; są tworzone na głosy o określonej barwie i wysokości: na przykład na sopran koloraturowy, baryton liryczny lub tenor liryczno-dramatyczny.

W operze można zastosować elementy z choreografią baletową.

Koneserzy opery zgodzą się z opinią, że Boris Godunov M. Musorgskiego, Królowa Pik P. Czajkowskiego, Ivan Susanin M. Glinka, dzieła operowe Rimskiego-Korsakowa, A. Dargomyzhsky'ego, A. Borodina stały się naszym skarbem narodowym.

Wnioski

1. Operetta to komedia muzyczna. Opera to muzyczne dzieło dramatyczne, w którym akcja rozwija się jako tragedia lub dramat..
2. W operetce wykonanie głosu łączy się ze zwykłą mową. W operze bardziej złożone wokale można uzupełnić recytacją muzyczną - recytatywną.
3. W porównaniu do operetki opera ma bardziej złożony skład, w tym symfoniczne formy dramatu scenicznego.
4. Obowiązkowym elementem operetki jest taniec, którym kończy się każde działanie. W operze można wykorzystać tylko elementy choreografii baletowej.